L'uomo nell'ombra di Roman Polanski e' la storia di un improvvisato ghostwriter che si trova immischiato in una storia di crimini di guerra che coinvolgono un politico inglese di rilievo. Come spesso accade in molti thriller di questo tipo ci troviamo di fronte ad un uomo (Ewan McGregor) che si trova inconsapevolmente alle prese con i misterioso affari di un losco figuro (Pierce Brosnan) e cerca di fare il possibile per fare luce sul mistero e sopratutto uscire vivo dalla pericolosa situazione.
La trama semplice e lineare puo' sembrare la base di un film banale ma Polanski e gli attori in gioco ne fanno un film fatto molto bene e godibile. Un film dove si respira un'aria del cinema d'altri tempi, un cinema piu' classico dove l'intreccio e la suspense la fanno da padroni, senza eccessi e troppo fronzoli.
Il racconto fa capire immediatamente che c'e' qualcosa di strano nell'aria ma non si riesce a capire da cosa dipenda questa sensazione. La narrazione crea da subito un senso di disagio che ricorda le atmosfere di altri thriller di Polansku. Questo disagio e' accentuato dai toni freddi della fotografia e dal clima dell'ambientazione, un isola ventosa e fredda.
Il confronto cinematografico va direttamente ad Hitchcock che si respira in questo thriller vecchio stile. Non solo nelle atmosfere ma anche nei personaggi, sopratutto in quello di Ewan McGregor, un uomo incastratato in una storia che non gli appartiene ma che deve vivere e non subire. Gli attori sono tutti in piena forma e credibili nelle loro parti. Il finale poi puo' far sicuramente discutere.
E quando meno te lo aspetti arriva l'ultimo lavoro dei Radiohead. Ormai non sembra piu' corretto parlare di CD e di album perche' la musica e anche i Radiohead di quest'ultimo decennio si sono liquefatti in tante tracce che viaggiano ormai attraverso diversi canali.
Come le tracce liquefatte del nuovo download digitale dei Radiohead anche la loro musica sembra piu' liquida, meno materiale. Gli strumenti e le chitarre si disintegrano e la musica si smaterializza.
Abbiamo lasciato i Radiohead di In Rainbows con un album di canzoni che riusciva a fare una summa dei loro lavori piu' elettronici e di quelli piu' pop-rock, un album a suo modo robusto che e' cresciuto con gli ascolti.
Ora in The Kings of Limbs i Radiohead ripartono probabilmente da Kid A e dal lavoro solista di Thom Yorke The Eraser cercando una nuova fusione di stile e prendendo sempre di piu' la via della musica elettronica, anche se la loro musica diventa sempre meno etichettabile e loro sembrano giocarci. In The Kings of Limbsla musica e la voce di Yorke diventano suono e l'ascolto che comincia ossessivamente e si attenua lentamente fino ad arrivare ad un finale piu' soft. Il ritmo dell'ascolto non e' per nulla monotono e tutte le tracce secondo me suonano bene.
Un nuovo passo dei Radiohead, probabilmente non un passo in avanti come Kid A lo era stato dopo Ok Computer ma di certo un bel passo laterale che ci porta verso altri territori, piu' contemporanei e piu' immateriali. Non e' di certo una scoperta dei Radiohead questo tipo di sonorita' ma loro riescono a rendere pop questo tipo di elettronica e non nel senso di qualita' commerciale ma di accessibilita' e di diffusione.
Non e' semplice capire se e' un album che lasciera' il segno, aspettiamo di ascoltare anche tutte le altre tracce annunciate nei vari box ed edizioni speciali. Per ora e' un album godibile ma che non si lascia afferrare del tutto. Rimangono impressioni in superficie. In Rainbows era un po' il contrario un album d'impatto orecchiabile del quale si apprezzava la profondita' solo dopo diversi ascolti e anche ascoltando il lato B del disco. Anche qui saranno le diverse abitudini d'ascolto che lo renderanno diverso, forse quando durante una riproduzione casuale il flusso dell'ascolto subira' un cambiamento incontrero' un nuovo capolavoro. La traccia migliore al momento e' Feral.
127 oree’ il tempo che il protagonista passa intrappolato nella cavita’ di un canyon. Il film racconta James Franco nei suoi tentativi di liberarsi, nei suoi tormenti interiori, tutto in bilico tra pazzia e visionarieta’.
Nonostante la storia si svolga in un spazio ristretto riesce ad essere dinamico e ricco d’invenzioni visive che danno un buon ritmo al film. L’inizio tra splits creen e montaggio veloce riesce a raccontarci il protagonista e ci fa subito capire che tipo di persona e’.
Il film corre molto all’inizio e quando arriva la caduta si stoppa. La caduta tra l’altro nel piu’ classico meccanismo della suspense sembra sempre imminente ma quando acccade l’effetto sorpresa e’ garantito. Da li’ in poi la storia e' tutta da vedere e le soluzioni di Danny Boyle per intrattenerci sono molteplici soprattutto grazie ad un ottimo utilizzo della musica e degli effetti sonori. E’ interessante anche l’uso dell’immagine, una delle protagoniste del film tra fotografie e riprese video. Ci sono poi scene molto cruente che ti costringono ogni tanto a distogliere lo sguardo dallo schermo. James Franco in tutto questo e’ molto bravo a sostenere il film quasi interamente da solo e in alcune scene e’ veramente notevole anche quando emerge il lato piu’ grottesco e surreale del film.
127 ore e’ un film che dietro alcuni virtuosismi registici (che possono risultare anche un po' furbetti) e una messa in scena claustrofobica racconta molto il protagonista e va a fondo. Senza mai essere didascalico il film tra visioni e immagini registrate ci dice quasi tutto sul passato del protagonista, anche che probabilmente nulla e’ accaduto per caso. E’ proprio questo il maggior pregio del film, non solo soluzioni acchiappa pubblico ma una storia dove il personaggio e’ raccontato a fondo. Non sara’ di certo un capolavoro ma il film e’ compatto e per niente vuoto di significato. Il finale non e’ all’altezza delle premesse, peccato perche’ lentamente il fuoco acceso della storia si spegne.
Questa volta sono andato in sala convinto di vedere un bel film ma diciamo che il mio ottimismo e' andato oltre le aspettative, ma cominciamo dal principio.
Il Discorso del Re racconta la storia dell'ascesa al trono di Giorgio VI dopo l'abdicazione del fratello a causa di un matrimonio a cui non poteva rinunciare neanche per il trono d'Inghilterra. La storia pero' va oltre la storia con la S maiuscola e ci racconta la difficolta' del principe/re che non riesce a sostenere dei discorsi pubblici perche' e' balbuziente. Giorgio VI incontrera' un logopedista, un attore fallito che lo aiutera' a superare il problema e non solo, lo aiutera' ad acquistare la fiducia in se stesso.
Da dove cominciare per elogiare questo film? Be' direi da quello che mi aspettavo. Mi aspettavo di trovare degli ottimi attori e la mia aspettativa e' stata confermata e superata. Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush sono verament fantastici. Il primo e' strepitoso e vorrei vedere il film il lingua originale per apprezzare la sua recitazione che nonostante il doppiaggio fa emergere la sua mimica e le sue difficolta' nel parlare, sapevo che era bravo ma qui e' una rivelazione. Geoffrey Rush nei panni del logopedista e' bravissimo e bellissima la sua interpretazione dell'australiano emigrato innamorato della cultura inglese. Poi c'e' Helena Bonham Carter che con la sua interpretazione della Regina Madre mi convince del tutto, finora l'ho sempre trovata brava ma sempre un po' sopra le righe, invece qui e' misurata e pienamente nel ruolo.
Altro punto di forza di questo film sono stati i dialoghi: brillanti, intensi e mai banali. Riescono a sdramatizzare alcune situazione e riescono a colpire laddove l'azione dei personaggi deve subire un cambiamento. Tutto in stile molto british.
La storia e' veramente ben narrata e mi e' piaciuto molto l'incontro che diventa amicizia tra due classi sociale, quella del re e del logopedista. Il Re deve essere un attore, come dice il padre Giorgio V al figlio, e proprio un attore fallito risolvera' i problemi di balbuzie di Giorgio VI, un attore fallito australiano e amante di Shakespeare. Tutta la storia e' tesa verso un finale drammatico e intenso ma senza far sembrare tutta la storia un lungo preambolo.
Tutto questo insieme ad una bellissima fotografia un po' me lo aspettavo anche se mi ha favorevolmente colpito ma quello che mi ha stupito del film e' la regia. Ci si aspetta una regia misurata, standard invece ti trovi delle bellissime inquadratura e una composizione dell'immagine che regala piacere agli occhi. Nei dialoghi le soluzioni di campo e controcampo sono sempre non prevedibili e molto spesso costruiscono l'immagine in modo atipico, tra tutti un dialogo tra Geoffrey Rush e la moglie. Un'altra scena da ricordare e' quella della discussione tra Colin Firth e Geoffrey Rush: una passeggiata nella nebbia dove il movimento degli attori e della telecamera ti buttano nel mezzo dell'azione e dei sentimenti. Poi c'e' la scena iniziale dove si respira tutto la paura e l'ansia di prestazione del Re di fronte ad un discorso pubblico. Il re e la moglie che aspettano ai piedi delle scale, lui che sale verso il microfono e le facce dei presenti quando lui non riesce a proferire parola.
Un gran bel film intenso e divertente che mi fa pensare ancora una volta che Hollywood e la produzione anglosassone sono un passo piu' in la' perche' riescono a confezionare film di qualita' senza scadere nella lentezza e nei sussurri di certo cinema italiano.
Non mi piacce fare le classifiche ma ho trovato su un blog di cui consiglio la lettura un meme/catena di sant'antonio sui libri letti nel 2010. Mi e' sembrato carino ed eccolo qui.
Che dire l'ultima volta che ho visto questo film è stato in videocassetta e ora dopo l'acquisto del DVD lo rivedo con gusto. Inizia come una commedia anni 40 questo film di Hitchcock con due ottimi protagonisti e una bellissima Tippi Hedren alla sua prima esperienza che cerca di sostituire Kim Novak nel cuore di Hitch. Una Kim Novak che aveva dovuto sostituire Grace Kelly a sua volta.
Il film poi prende il via con la solita maestria del regista e sorprende la modernità del personaggio interpretato da Tippi Hedren. Ci sono molte cose da sottolineare su questo film. Maestria tecnica, suspense, effetti visivi innovativi (per l'epoca ovviamente) ma c'è una scena su tutte che voglio ricordare.
La protagonista è fuori la scuola. Con movimenti misurati si siede su una panchina e si accende una sigaretta e vede arrivare un paio di uccelli. Primo piano di Tippi Hedren e poi di nuovo un altro uccello. Poi un altro lunghissimo primo piano, quasi insostenibile e di nuovo un uccello. Primo piano di Tippi Hedren e stacco sul parco giochi della scuola dove il castello gioco è completamente ricoperto da corvi. Fantastico.
Basta questo per valutare questo film anche anche se sono numerose le scene che mi fanno pensare quanto tutto il cinema deve a Hitchcock. Il dialogo nel ristorante, la scena della cabina telefonica, l'assedio della casa solo con effetti sonori e l'attacco alla protagonista nella mansarda dove ripete il montaggio di Psycho. La chiusura del film poi è indimenticabile con la sua quiete, la sua calma irreale e quella fantastica inquadratura.
E' incredibile che a distanza di 50 anni il film rimane intatto nel suo ritmo e nell'angoscia che crea. Lascia la stessa sensazione della prima volta che l'ho visto: guardare di traverso gli uccelli per un paio di giorni. Ogni volta mi domando chissà cosa avrebbe significato averlo visto all'epoca. L'altra cosa incredibile è che Hitchcock realizza questo capolavoro come 50esimo film e dopo Psycho.
